Fuera de campo: relaciones con el espacio

La siguiente es una selección de obras que se ampara bajo el título Fuera de Campo: relaciones con el espacio, y parte del sentimiento que se desprende de la obra fotográfica Untitled Film Stills de Cindy Sherman, donde en una secuencia de 69 fotografías en blanco y negro, la artista aparece en cada una como un personaje ficticio en escenas de una película de los años 50, utilizando vestuarios de la época para recrear una serie de mujeres que se presentan solitarias, reflexivas y desprevenidas, o conversando con alguien que está en el fuera de campo de la imagen. La elección de las piezas pretende girar entorno al sentimiento de desubicación e inadaptación dentro de una realidad, estructura o sistema. El fuera de campo simboliza la sensación física y psíquica que puede tener cualquiera al sentirse un ente totalmente extraño en una realidad y sin ninguna capacidad de encontrar elementos a su alcance para adaptarse, derivando esto en una impresión de estar fuera de algo. Estar en el fuera de campo de una escena donde conscientemente se supone que uno está pero sin sentirlo, quedando de esta manera, como algo suspendido, algo que no está en el espacio tangible, aconteciendo una percepción de irrealidad.

En Untitled Film Stills #48 de Cindy Sherman, una mujer aparece en el andén de una carretera observando la calzada en plena noche y con una maleta cerca, depositada en el suelo. La imagen evoca la idea de estar al borde de un camino esperando algún hecho, un coche que pase por ejemplo, que le empuje a entrar en la vía y le indique hacia dónde ir, con una actitud un poco descuidada y apática, esperando dejarse llevar por algo que aun no ha aparecido en escena, que está fuera de campo, pero que el sujeto intuye que existe.

Untitled Film Still #48 1979, reprinted 1998 by Cindy Sherman born 1954

Untitled Film Stills #48 1979, reprinted 1998 by Cindy Sherman born 1954

 

When I Woke up in the Morning, the Feeling Was Still There de Angust Fairhurst. En esta serie de serigrafías de cuatro colores distintos, Fairhust se proponía jugar con la desalineación de la forma más dura que representa el cuadrado y la noción de sensibilidad de los colores. Los dos conceptos, la forma dura y la sensibilidad, son físicos y emocionales, el artista quería demostrar que de esta diferenciación de lo físico y lo emocional, uno nunca puede estar seguro. La elección de esta obra hace referencia al hecho de seguir teniendo una sensación sin relación con el afuera, que siempre persiste aunque el exterior cambie.

 

La obra de Corridors de Catherine Yass parte de los seis retratos que la artista hizo a pacientes y trabajadores de un hospital sin ninguna indicación visible de su estatus (es decir, a partir de los retratos no era posible decir si los sujetos eran pacientes o trabajadores). Las fotografías de Corridors estaban pensadas para ser el fondo de estos retratos. La artista tenía un interés en mostrar los espacios vacíos como imágenes del espacio en sí mismo, de forma que sin sus supuestos sujetos, el espectador los percibiese con aun más desorientación. Las siluetas y formas iluminadas de los diferentes volúmenes que se representan en las imágenes pretenden intensificar este desdoblamiento del espacio fotografiado y el espacio donde uno se encuentra. La elección de esta obra se debe al hecho que alude al sentimiento de extrañeza en la percepción de un lugar, cómo éste se puede percibir de maneras tan diferentes según el estado en que uno se encuentre.

 

En la serie The Russian Ending de Tacita Dean, la mayoría de las imágenes representan desastres o accidentes causados por el hombre o por causas naturales. Superpuestas a las imágenes hay notas hechas a mano como las notas que se hacían en la dirección de películas para dar instrucciones de luz, el sonido y movimientos de cámara en cada escena. El título de la serie hace referencia a los primeros años de la industria cinematográfica danesa, cuando en cada película se hacían dos finales, uno feliz para el mercado americano y otro con un final trágico para la audiencia rusa. La elección de esta serie de obras quiere subrayar el hecho de tratar realidades de manera deconstruida, observadas des de el afuera, como si se tratase de planos de películas. Hace referencia al hecho de ver una realidad de manera despersonalizada, como si realmente uno no la estuviera viviendo porque no puede sentirse realmente dentro y consecuentemente, de esta forma pudiera deconstruirla y dar indicaciones sobre la luz y el sonido, como si de un montaje se tratara.

 

Según Antony Gormley, con la obra Testing a World View expresa el polimorfismo del yo, el hecho de que en cada sitio nos convertimos en alguien diferente y que este hecho se experimenta como algo físico. Con sus esculturas, Gormley se impone el reto de sobrepasar el hecho de dar un único punto de vista a una posición corporal, relacionando el cuerpo con la arquitectura y otras formas geométricas. Según el artista la postura rígida sugiere un cuerpo en crisis, instalados de varias formas en relación con el espacio, los cinco cuerpos representan la actual crisis del punto de vista occidental. Los cuerpos rígidos son cuerpos en crisis en una posición que no les satisface sensorialmente pero se les ha forzado a resistir.

Testing a World View, Antony Gormley (1993)

Testing a World View, Antony Gormley (1993)

 

En la escultura Self-Portrait as a Businessman, Pawel Althamer representa una de las facetas de su yo. El cuerpo está totalmente ausente y la identidad de Pawel Althamer puede ser interpretada como un vestuario que él asume, o un rol que él juega y del cuál probablemente su identidad personal se disasocia. La disociación de la persona y sus roles o identidades precipita sensaciones de fuera de campo.

Self-Portrait as a Businessman, Pawel Althamer (2002)

 

En The Restless Image – A Discrepancy Between the Felt Position and the Seen Position. Self Portrait de Rose Finn-Kelcey la imagen parece la de un gesto impulsivo pero el subtítulo de la obra sugiere una divergencia entre la experiencia del sujeto y lo que ve el espectador. La artista trabaja esta inconsistencia entre la experiencia interna y la observación externa.

The Restless Image - A Discrepancy Between the Felt Position and the Seen Position. Self Portrait, Rose Finn-Kelcey (1975)

The Restless Image – A Discrepancy Between the Felt Position and the Seen Position. Self Portrait, Rose Finn-Kelcey (1975)

 

En la serie fotográfica From …………………… in passing. de Uta Barth la artista juega con la percepción visual del espectador. Las imágenes representan el fondo de un escenario desenfocado con un componente en primer plano que sale del borde de la composición. La artista dijo que uno de sus intereses con el fondo residía en el hecho de algunas relaciones extrañas que el sujeto podía entablar con el escenario en el que se encontraba.

Young Serbs de Phil Collins es una serie de retratos de jóvenes de Belgrado. La imagen romántica de los jóvenes tumbados en el césped rompe con las miradas de desilusión de cada uno que aun y la cercanía visual con el espectador, se presentan distantes y perdidos en sus pensamientos.

La Journé Bleue, esta obra tan onírica de Yves Tanguy, sirve de cierre a esta selección. El hecho de presentar esta visión surrealista como conclusión, tiene el afán de transmitir la opción real de crear otras racionalidades. A partir de una inadaptación a una estructura, aparecen síntomas somatizados en la relación con el espacio y la idea del fuera de campo, de esto deviene la frustración de no poder aparecer en escena, pero a la vez este extrañamiento abre un intersticio, una grieta que da paso a lo ignoto, y éste a un impulso creativo y creador de otros lenguajes que permiten situarse en el mundo de infinitas maneras.

La Journée Bleue, Yves Tanguy (1937)

La Journée Bleue, Yves Tanguy (1937)

 

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